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[美术史话] 第四章意大利的文艺复兴

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发表于 2011-12-8 12:05:20 | 显示全部楼层 |阅读模式

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第四章  意大利的文艺复兴
  中世纪的欧洲是所谓封建的制度,国王贵族以及骑士们都拥有极大势力;但到十三、四世纪,就不完全是这样了,出现了商人或称为市民的阶级,经济实力逐渐转入这个阶级手中。
  商人、市民的势力最先强大起来的,是意大利。意大利半岛位于欧洲和东方之间。印度、波斯的物产,特别是欧洲人非常喜欢的香料,早就在欧洲进行交易,这些物产用马和骆驼驮着横越小亚细亚,然后装船运到意大利的港口,例如威尼斯,在那里上陆后就运往欧洲各地销售。意大利的港口,特别是威尼斯,垄断这种通商利益。
  当这种东方贸易受到阿拉伯人、土耳其人的威胁的时候,就发生了著名的十字军之战。从1096年第一次远征军出发以来,一百七十年内开往小亚细亚的大军就有好几次。这种十字军,一般称为夺回圣地耶路撒冷的远征,但若按今天的说法,也有商业方面的原因。其中也有人说,十字军是威尼斯的商人们为了维护自己的垄断利益,劝请罗马教皇和王公贵族发起远征。它是否正确,另当别论;不过,由于这次远征,威尼斯市更加繁荣起来,却是无容怀疑的。因为十字军总是首先在威尼斯集合整顿,然后乘上威尼斯的船去出征的。在那期间的居留费、船费、购买武器和食物的钱,这些全都落入威尼斯市民的手中。没有钱的贵族和骑士向富裕的市民借钱,作为代偿,不得不想办法,或者出让征收领地租税的权利或者给予在占领地进行贸易的权利,因此促成了威尼斯的繁荣。
  然而,这次十字军的结果归于失败,王公贵族的势力急剧衰弱,代之而起的是商人和市民的势力。封建制度崩溃,成为市民全盛的社会。既然威尼斯市达到现在所述的状况,而意大利其他城市,不是港口的别的城市又是怎样?关于这点,有必要加一些不同的说明,例如关于佛罗伦萨。
  佛罗伦萨是不亚于威尼斯的商人发达的城市。据说,这个城市里住有以美第奇为首的许多富裕商人,经营纺织业、银行业,欧洲的贵族要是钱不方便就向他们借贷。罗马教皇注意到这点,在想抑制贵族势力的时候,就给佛罗伦萨商人出主意,也就是让他们赶快去催还借款,贵族方面被迫勉强筹措,或者提供什么权利以代替,结果,贵族的财政更加拮据;相反,佛罗伦萨的商人更加发迹。
  不用说,佛罗伦萨的商人遭到贵族和骑士们的嫉恨。因此,商人们建立一种组织,在这种组织统制下把整个城市团结在一起,对抗贵族和骑士的势力。佛罗伦萨市和威尼斯港这两个城市,在十四世纪以后,出现了完全崭新的商人文化和市民艺术。
  市民与艺术这种市民的文化运动、艺术运动,就是所谓文艺复兴运动。所谓文艺复兴,就是“重加革新”这个意思,也就是说笼罩在中世纪阴郁沉滞的气氛中的社会,重新呈现出面目一新的景象。所谓商人是具有自由精神的人。王公贵族和骑士着重规律、节制和服从,而商人市民则注意自由竞争。他们富有进取精神,是活跃的,而且喜欢变化。在中世纪,不论宗教、道德,还是艺术,都是保守、严格、贫乏的;到十四世纪以后,一种明朗欢快的气氛来到了。绘画也一样,在商人们的自由主义中产生的新艺术,构图富于变化,色彩明朗,线条生动活泼,只有这样,才能受到市民的欢迎。不应该忘记,十四世纪以后,和中世纪不一样,艺术的保护者主要是有钱的商人和市民。
  从宗教方面来说,马丁·路德的新教运动,从道德、科学来说,例如人文主义运动,全都是文艺复兴期自由精神的表现。
  (一)佛罗伦萨派
  文艺复兴的发端从十三世纪末叶起,人们确实厌烦了中世纪阴郁的毫无生气的艺术,希望有一种新兴的艺术,要求有一种更改进的艺术。
  恰好这时,比萨出生的雕刻家叫作尼古拉·比萨诺(NicolaPisano,1206—1280)的人,从一个寺院库房中发掘出古希腊的雕刻,加以研究观察,的确优美生动,洋溢着自由的精神。比萨诺非常高兴,以后就学习希腊雕刻,领会了它的精神和手法,创作出和原来大不一样的新艺术,这也就是雕刻方面文艺复兴的发端。
  在国内出现这种气运的时候,在东方,拜占庭帝国遭到土耳其人的侵略,艺术家和学者不能安居乐业;他们带着珍贵的书籍、希腊艺术品等,亡命来到意大利。落脚在宏伟的佛罗伦萨城及较小但充满活力的西埃那城。
  西埃那画派画家拜占庭艺术家定居在西埃那城重新从事创作雕刻或画画,他们的艺术——一种具有和中世纪欧洲传统不同的精神的艺术,不能不对十三世纪西埃那的匠人画家有很大的影响。他们受到这种影响,也就开始画有一些新鲜气息的画。我们把走在文艺复兴期的前面的这些西埃那匠人画家叫作西埃那派。
  西埃那派的画当然多是宗教画,特别画《圣母与圣婴》的画更多,画面嵌以金属线或镶以红宝石,一半倒像工艺品。当时所画的圣母等,从照片看,并不怎么美,若从实物看,确是富有感情,颇有人情味的圣母,和中世纪没有表情的作品不一样。
  但是,西埃那派的绘画,没有持续多久。它们就被在附近的大城市佛罗伦萨的势力所压倒,为佛罗伦萨派的绘画所包围。
  奇马部埃意大利中部大城市佛罗伦萨,不用说,从中世纪以后出现许多匠人画家,十三世纪末期,最早画文艺复兴期很有新意的画的是奇马部埃(Cimabue,1240—1302)。据传说,他从小喜欢画画,每天去看亡命到佛罗伦萨来的一个拜占庭画家在一个教堂画画。当时,他就接触到拜占庭画家所具有的希腊精神;后来,在他成为一个匠人画家以后所画的画中,表现出中世纪的画所没有的生气勃勃的精神。
  可以看看他的《圣母与圣婴》,站在两侧的是天使。应该说,那天使和圣母的关系仍然还是观念的:把较重要的画得大,较不重要的画得小,还不能说是非常合理的,而技术上也还有点拘泥形式,不过若与中世纪的作品比较,可以看出还是自然而且生动的。
  关于奇马部埃,留下这样的传说:他受佛罗伦萨人的委托,为某教堂画祭坛画,因为画得非常好,人们从他的画室到教堂排着热闹的队伍,打着旗,吹着喇叭,运送他的作品。后人称奇马部埃为“画家之父”。
  乔托奇马部埃和当时的匠人画家一样,不得不去各个城镇巡游,他受那波利国王的邀请,在那里工作。有一天,他在郊外散步的时候,一个放羊的少年在石头上不断地画什么;走近一看,少年长着一个古怪的面孔,但是,他画的画却非常好。画的是羊的写生,使奇马部埃很佩服,他劝少年说:“不要放羊了吧,作我的徒弟吧!”当然,少年很高兴,马上得到父亲的允许,作了奇马部埃的弟子;技术不断提高,终于凌驾于奇马部埃之上,成为一个大师。这个少年就是有名的乔托(Giotto,1267—1337)。
  乔托渐渐成为一个画家的时候,按照当时的风习,要游历意大利的各个城市,锻炼技巧,然后回到佛罗伦萨。他是小说家薄伽丘的朋友,也和诗人但丁很要好。但丁总是赞扬乔托的画,而乔托也非常尊敬但丁,并在一幅题为《乐园》的大壁画中,画了但丁的肖像。这个壁画后来暂时被涂掉,不为世人所知;不过距今八、九十年前,又出现在佛罗伦萨的墙壁上了。今天通常认为最为可靠的但丁的肖像,也就是这个。
  不用说,乔托也画基督的画。但是阿西西的圣法兰西斯柯的事迹大概也非常吸引他。圣法兰西斯柯是十世纪左右的人,出身于高贵的家庭,过着奢侈享乐的生活;不过,后来感受神的荣光,离开了尘世,去当僧侣;后来在阿西西的山中,严格遵守宗教戒律,过着极端贫苦但充满爱和善行的生活。法兰西斯柯的爱,可以说甚至及于小鸟和草木;最有名的故事,是把鸽子集聚起来进行说教。
  法兰西斯柯死后,在阿西西修了一个教堂,乔托在教堂墙壁上画了圣人一生的事迹。
  这些作品虽然也很有名,不过人们最感兴趣的是他画的《圣母与圣婴》。它和奇马部埃的同样画题的作品,构图非常相似,所以将二者加以比较,可以更清楚地说明乔托的画更富于文艺复兴时期的特点。可以比较一下,圣母较奇马部埃画的更有生气,似乎更严肃,虔诚。那年幼的基督,也似乎更聪明。虽然我通常站在这种画前是毫不为之所动的,但在佛罗伦萨乌菲齐美术馆看这幅作品时,不能不感受到一种压力,简直不能不信服乔托的气魄。这件作品竟这样充满着精神力量,技巧也更熟练。时代已向着新的方向展开。
  乔托性格正直、快活而又不拘谨,曾留下这样的轶话。
  在夏季一个炎热的日子,他正尽心竭力地作画,那波利国王来到他那里。国王对乔托说:“如果我是你,这样热的日子,我就不工作。”乔托一听他说完就说:“如果我是国王,的确是不会做工作的。”
  有一次,罗马教皇派来使者说:“想请佛罗伦萨的画家画画,不知谁画得最好,想要样品看看。”乔托听了后,眨了眨眼,拿了纸和铅笔,想画点什么呢,马上就画了一个大圆圈,然后说:“这样就够了”。使者大为惊讶,拿了它回去,而在罗马人们仍认为数乔托第一,不久就得到罗马教皇的邀请。
  乔托上了年纪后,仍然精力旺盛地努力工作。五十八岁以后,不再画画,而开始从事建筑。现在耸立在佛罗伦萨称之为“乔托之塔”的美丽的大理石建筑,是他晚年的作品。他也作雕刻,装饰那座塔的许多浮雕,就是他作的。
  弗拉·安其里柯继乔托之后出现的是画僧弗拉·安其里柯(FraAngelico,1387-1455)。所谓弗拉·安其里柯,实际上就是“天使的兄弟”的意思,他的本名至今谁也叫不出来;欧洲往往有这样的画家,以后出现的丁托列托、埃尔·格列柯等就是这样。
  安其里柯,正如他的名字一样,是一个清高、虔敬的人,据说画画的时候,总是一面祈祷,一面作画。他又是非常谦逊的人,有一次罗马教皇说让他作主教,他说:“不,我虽然能够画个画什么的,但不能作主教,去管理僧侣们。”而加以拒绝。
  据说他从小就喜欢树木、花和小鸟。他二十岁时进修道院作僧侣,当时的僧侣除了奉祀神以外,每个人还要作一种世俗人的工作,如农民、木匠、医生、学校的教员等等。因为安其里柯喜欢画画,当然选择了拿画笔的工作。
  众所周知,当时,印刷术还处于萌芽阶段,书籍都是手抄的。安其里柯担任写经文的工作。不仅仅写文句,而且还要在上面作精美的插面、装饰等;他一点也不嫌麻烦,长年累月地工作。但是,自从有一天出现天使的幻影以后,就画了许多天使的画。
  故事是这样的:他有一次画天使,没画完就疲倦而睡着了。不知从什么地方来了真的天使,拿起安其里柯的画笔,把那幅画画完了。
  安其里柯的画确实纯洁清高,又有点孩子气,使人看起来觉得非常美好优雅。只要看看《受胎告知》就可知道。即使看《圣母加冠》这样的大作,也仍然有这样的感受。
  安其里柯的优美的画,是以前从未看到过的一种作品。在他的画中,有温柔的抒情,这也可以认为是文艺复兴期的自由主义的一种表现。诚然,他画的题材,几乎都是有关基督教的。在这方面,似乎还没有摆脱中世纪的教会主义;因此,倒不如说在他的处理方法和画法中,感到一种崭新的精神。
  马萨乔等人与安其里柯的抒情诗般的优美相反,继之而出现的马萨乔(Massacio,1401—1428)对自然努力冷静地观察,正确地描绘。这在当时确实是了不起的事情。可以看看他的作品《出卖基督》。把马萨乔的写实主义和安其里柯的抒情诗的优美统一起来,是画僧弗拉·菲利普·利比(FraFilippoLippi,1406—1469)。他的画有一种温柔的感觉,而且尽力精确地描绘形态。
  此外,十五世纪初,还有画装饰性绘画的本诺佐·戈佐里(BenozzoGozzoli,1420—1497);既是雕刻家也是画家的委罗齐奥(Verrochio,1435—1488)等都是第一流的大师。
  波提切利集这些大师所长而且远远凌驾于他们之上的,要数是波提切利(SandroBotticelli,1446—1510)。他生于佛罗伦萨,少年时嫌弃学问,似乎是个没有希望的孩子;父亲打算让他作匠人,就送他到一个金属工艺匠人那里做徒弟;后来,由于他喜欢画画,却成了弗拉·菲利普·利比的弟子。
  他在佛罗伦萨派画家中,是富于幻想,占独特地位的人。值得特别注意的是,他大胆地开始画非基督教的画。当然,他也画了几幅《圣母和圣婴》,但其它可以说都是异教的画题。《尤狄斯归来》因为是取材于旧约,虽不能说是异教的,但大胆而且有名的《春》和《维纳斯的诞生》两幅画就肯定是了。《春》这幅寓意画,象题名一样是比喻春天的,场面是在美丽的森林里。在林丛中展开的春神行进所向的左端,是告知春天来到的的众神使者麦鸠利。他的后面,“三个美人”手挽着手跳着舞前进。她们后面安详地走着的是爱的女神维纳斯。维纳斯头上,邱比特在飞翔,正要射出金箭。谁中了这箭,心里就不能不惹起恋爱的情思。在维纳斯之后穿着美丽衣服的是花神弗罗拉在前进。女神后面是她的侍女。侍女被鼓起面颊的“西风”用气息吹拂,往女神那方推动。这就是一种比喻:从海那面一吹来暖和的西风,就有了春天的预兆,万物复苏,变得美丽,爱情之心也觉醒了,展开了百花绽放的春天景象。
  《维纳斯的诞生》这幅画更不必说,描绘的是美丽的西西里岛的传说:爱和美的女神维纳斯从珍珠贝壳中诞生出来,时候是春天,也是吹着西风;于是女神的身体被风吹拂着,像辉耀的光焰一样颤动;女神因为不是凡人,不能受重力法则的约束立于地上。在这里描绘了维纳斯的神性,不能不认为是有趣的构想。正在给女神穿上美丽的衣服的,当然是花神弗罗拉。
  若考察一下这两幅作品,主题都可以说是希腊的,异教的,也就是反基督教的,而不是中世纪的。不仅如此,所描绘的女神的容颜,带有情欲的意味具有人类的恍惚和忧郁;虽然是遥远时代的希腊女神,却是官能的,给人一种近代的感觉。此外,女神们都被画成披着极薄的纱,或是裸体,而一点也没有害羞的样子。在中世纪封建时代的绘画中,这是从来未见到过的。最后还有一点,画面稍微加入了东方趣味,有一种装饰的美:女神衣服上的花纹,祝贺维纳斯诞生而从天降下的花的画法,波涛的形状等等都值得注意。
  不论从哪方面来看,这两幅画都是新时代的作品;它彻底打破了中世纪的传统,画得自由奔放。我们在波提切利的作品中,第一次看到充分发挥了文艺复兴的精神;但是,作者却因此受到当时宗教热狂者的残酷迫害。
  塞尔兰达约和波提切利几乎同时代,还有一个叫基尔兰达约(Ghirlandao,1449—1494)的画家。他是佛罗伦萨的金属匠人的头目。他的画,是属于马萨乔风格的写实主义体系,在他的画里,大多数景物都是佛罗伦萨郊外的风景,描绘得确实生动。《老人和孙子》有家庭的情趣,极为亲切,而且也是富于诙谐趣味的肖像画;虽然从窗外看见的景色,多少有些装饰化,不过仍可认为是写生的。他在罗马教皇的梵蒂冈宫殿,画过《基督传》。
  曼坦尼亚基尔兰达约不论从哪一方面来说都是一个绘制令人感到亲切、宁静、品质高尚的绘画的画家,而曼坦尼亚(AndreaMantegna,1431—15O6)则是有精力的,并且可以说是具有怪奇倾向的人。他生于帕都亚,严格说来不能说是佛罗伦萨派,但因为帕都亚属于佛罗伦萨的势力范围,在此,为方便起见也把他归入佛罗伦萨派。
  曼坦尼亚的作品最有名的是《基督的尸体和两个玛利亚》。这是从脚的方向来画基督的尸体的作品,但它的描绘是多么正确啊!构图也出人意外,特别是对那强烈的似乎向人逼迫的巨人式的气魄,使人折服。决心把站在旁边的玛利亚和抹大拉,画成满脸皱纹的老太婆,也完全是破天荒的画法。他作的艺术之神云集的《帕纳苏斯》,也是一幅堂皇壮丽的大作,受到人们的尊敬。
  个性的发挥一到十四、十五世纪,画家们都开始在自己作品中发挥个性。如上所述,在中世纪的画中几乎没有个性,看谁的作品,好像都是一样的;但到文艺复兴时期,却不是这样。乔托、安其里柯、波提切利、曼坦尼亚都具有鲜明的不同于他人的特色和个性。文艺复兴期也可以说是发挥个性的时代,是商人们市民们的自由竞争开始支配世界的时代。画家们只要是画了非常出色的画,就可以压倒别的画家;而且遵循自己个性的人作起画来更能得心应手。因此,他们有意无意地开始注重个性和独创性。
  画家的署名画家在自己的作品上署名,也和自由竞争有关。画家的署名,一般认为是从丢勒开始,不过,到十四、五世纪自由竞争时代,画家开始根据自己的个性,画有变化、新颖的画,而且在画上署名,意思是对自己的作品负责。而且以前曾经买那个画家的作品的人,以后如看见他的署名,就会很清楚地知道:“啊!是那个画家的作品!”感到亲切,也许就会想买。画家的署名是一种商标,有了这种商标,画家越来越尊重自己的个性,开始画独特的具有个性的画,这是可以想象到的。
  绘画的商品化、个性化,即使在上述画家之后的三个伟大的画家的作品中,也清楚地表现出来。
  列奥纳多·达·芬奇(LeonardodaVinci,1452—1519)生于意大利北部的芬奇村。父亲是法律家,芬奇从小非常善于思考,喜欢画画和玩弄粘土。他常拿着写生本到街上去,喜欢把容貌似乎奇怪的人哈哈大笑速写下来。另一方面对音乐和数学,自然科学和地理,对工程学、医学、机械学等其他学问都有深厚的兴趣。
  绘画老师是前面所说的雕刻家委罗齐奥。不久他就掌握了一般的绘画技术。根据当时的风习,到米兰和佛罗伦萨等城市去旅行,研究大师们的名作。
  在这期间,他当然也画画;不过,创作出真正出色的作品,是1487年,作为米兰公爵的客人,住在米兰之后。当时,公爵不是把他以专门的画家相待。因为芬奇拥有多方面卓越的才能,公爵既让他设计道路、运河、城堡,也吩咐他发明兵器。在宫廷举行大宴会时,也让他装饰宴会厅,制作珍贵的乐器等。不过,这不是特别不可思议的。如前所述,那时候画家不过仅仅是一个匠人,受器重的匠人也必须什么都干。
  芬奇在米兰居留时所画的作品中,最有名的是《最后的晚餐》。它是画在圣·玛利亚·德尔·克拉基阿教堂的餐室墙壁上的,据说前后用了两年时光。描绘的是基督被官吏逮捕的前夜,和十二个门徒一起,在最后一次共进晚餐的食桌上说:“我实在地告诉你们,与我共餐的你们中,有一人出卖了我”这句话时,在门徒中间引起骚动的那一瞬间的戏剧性场面。
  关于这幅画,值得注意之处很多,首先应该说是基督和十二个使徒头上没有圆光。从来认为这些人是绝对神圣的,他们的头上,一定要饰以圆光,而芬奇作了另一种解释,把他们只是当做人或市民来描绘。这大概也可以说是文艺复兴时期的自由精神、合理精神的表现。
  其次,整个构图,由四个三角形构图组成。十二个使徒,三人一组,分为四组;在吵嚷“出卖主的是谁啊”声中,孤独地坐着忧郁的基督,使整个画面和谐地统一起来。以前,画最后的晚餐的人相当多,不过还没有一个人画得这样富有效果。
  第三,是采用了非常正确的远近法。中世纪绘画中,几乎没有必要用远近法,因为中世纪绘画是从镶嵌艺术的样式发展起来的,画基督、圣母、使徒们的肖像,背景上什么也不画。从乔托以后,才开始以大自然的风景或房屋为背景,不过也决不能说远近法是正确的。远处的物体大,近处物体小,还不过是概念的画法。
  但是,到芬奇时就不是这样了。依据透视的原理,科学地合理地作画。窗户或天花板等的线画得都集向一点,也就是向坐在中央的基督的头上集中。这是无可指责的远近法。可以说正确的远近法是从芬奇开始的。同时,因为是从基督头上放射出所有的线,因此,具有和圆光同样的效果;不画圆光,也能表现出基督的神性。
  此后,芬奇离开米兰去佛罗伦萨,在那里画了有名的《莫娜丽萨》肖像。为了画这个女友的肖像,他花了四年的岁月。先研究她的心理,作素描,作数学的计算,最后才拿起画笔作画,真是精细入微。为了不使作模特的莫娜丽萨感到无聊,就雇乐师给她奏音乐。这样作成众所周知的世界名作,现在陈列在法国卢佛尔美术馆,在它前面总是挤满了参观的人。是什么这样吸引着参观的人们?是她深刻的魅力。请注意她那理智的温柔的眼睛。请看一下嘴边浮现出的像谜一般的微笑。这是女性的神秘。要解开这个谜,只要站在《莫娜丽萨》的面前,就会忘记时间的流逝。曾经留下这样的故事:有个英国人把这幅画的复制品挂在墙上,早晚都望着她,始终没有能解开莫娜丽萨的谜,结果发了疯,用手枪击穿心脏死去。
  另外还有一个故事:欧洲大战时,一个意大利的青年画家把这幅作品从巴黎卢佛尔美术馆偷走。意大利人芬奇的名作,竟成了法国人的东西,使青年画家遗憾,以致无法忍受。尽管青年画家偷去了,却难于处置它,因为他不能干把它卖掉那种可耻的事;没有办法,自己去坦白,作品再一次返回卢佛尔。
  此外,芬奇还画了许多画。他的晚年实在孤寂冷清。据说是因为出现了精力充沛又年轻的天才米开朗基罗,夺去了他的名声。芬奇到晚年曾做过制作飞机等种种工作,结局仍以《莫娜丽萨》作为最后的杰作,而把名誉让给米开朗基罗,一个人孤苦伶仃地到法国去流浪。
  米开朗基罗米开朗基罗(MichelangeloBounaroti,1475—1564)生于意大利北部卡普里城。家庭非常富裕,小时,由乳母家抚养;乳母家是石匠,因此,米开朗基罗自从懂事时起,就已经听到打凿的声音,看见在石头上雕刻种种图像。
  稍长大之后,决定去佛罗伦萨上学。然而和芬奇相反,他讨厌学问知识,常常画画或玩弄粘土。这使父亲感到很恼火,怎样严厉训斥也没有用。而他的画越来越出色,他向朋友克拉拉兹基借画具,作了好得使人惊诧的画。克拉拉兹基是画家基尔兰达约的徒弟。
  终于有一天,克拉拉兹基把米开朗基罗带到先生的家中,基尔兰达约见到米开朗基罗,劝说他:“如果不求学问,就不能作我的弟子。”少年很高兴,逐渐地说服了父亲,终于正式开始学画,当时是十三岁,从此他更加努力学习,愈益上进。
  当时佛罗伦萨城的中心人物,是美第奇家的罗伦索。这人是个大银行家,而且是爱好学问、艺术的人,巨大的邸宅里搜集了古代书籍、希腊的雕刻等。米开朗基罗为了研究这些,暂时作了美第奇的门下客。
  然而不久,罗伦索死去,他的儿子科西莫作了美第奇家的主人,这个人不象他父亲那样酷爱艺术,而且他对米开朗基罗也给以冷遇,所以米开朗基罗就离开佛罗伦萨去罗马,那是二十四岁的时候。米开朗基罗作为雕刻家开始活动,就是在这以后。他在罗马制作《哀悼基督》的雕像,这作品受到欢迎,被召回佛罗伦萨以后,就制作《大卫》等雕像。
  米开朗基罗不久成为世界闻名的雕刻家。教皇朱理二世召他到罗马说:“你为我修建陵墓。”因为计划中的陵墓规模宏伟,米开朗基罗认为有作的价值。为此特意到叫克拉腊的大理石山去,用了将近一年功夫,采集了质量优良的石材;据说,运到罗马时,把宽敞的教皇宫廷都堆满了。
  然而这墓室的建筑始终没有施工,因为有人嫉妒米开朗基罗的名声,说了他的坏话。教皇听信谗言,疏远了米开朗基罗,而且连采集大理石的款项也不支付。米开朗基罗一怒之下,离开了罗马。
  以后,米开朗基罗怀才不遇,过着穷困的生活,不得不自己支付大理石的价款,债务越来越多,而且由于神经痛,受了不少苦。然而,不屈的米开朗基罗,用那些大理石制作了《摩西》像及其他大型雕刻。
  就当时来说他是雕刻家,而不是画家。他画的画仅仅是教皇宫中的西斯廷小教堂的壁画和拱顶壁画,那是米开朗基罗还住在罗马时候作的。当时教皇宫中的西斯廷礼拜堂的墙壁和拱顶壁上还没有画,要决定由谁来画,那些嫉妒米开朗基罗的名声的人想使他丢脸,就建议说:“让米开朗基罗来画好了。”教皇也有那心意,就吩咐米开朗基罗去画。
  米开朗基罗说:“我是雕刻家,不是画家。”加以拒绝,但教皇不听。米开朗基罗说:“既然如此……”就开始工作了。完成的作品是画有三百多个裸体人物的《末日审判》这幅大壁画,和包括旧约圣经的故事、古今预言家肖像的拱顶壁画。此画可以说是第一流的杰作。打算使他丢脸的人,当然不得不哑然无语了。他创作这些作品,倾注了全部心血,从早到晚仰着头,连晚上也点着蜡烛画。据说,由于长期仰着头作画,当作品完成的时候,有一段时间连头都不能弯,难受极了。
  由于这两件大作品,使米开朗基罗成为举世闻名的大画家。壁画的构图宏伟,每一个人体都描绘得正确有力,特别是描绘男裸体,可以说是无与伦比的。
  这时正象米开朗基罗是芬奇的竞争者一样,又出现一个年轻的画家和米开朗基罗竞争,就是拉斐尔这个天才。上了年纪的芬奇已自动地引退,一个人孤独地到法国去了,而傲岸不屈的米开朗基罗却不是那样。他竭力和拉斐尔较量。曾留下了这样的故事:有一天他看见拉斐尔带着许多从者到梵蒂冈宫廷去,就嘲讽说:“怎样啦,真无聊极了。简直像被押送到牢房去一样。”而拉斐尔也不服输,他看见米开朗基罗孤单单一个人,就说:“嗯,简直象个被驱逐出境的人。”
  尽管两个人的关系很坏,但是事实上,两人都互相佩服。拉斐尔偷偷地学习米开朗基罗的强有力,米开朗基罗却学习拉斐尔的优美。
  米开朗基罗到了晚年,再次来到罗马,开始从事建筑。他设计的圣彼得教堂,至今还是文艺复兴建筑的代表作品。
  瓦萨里在米开朗基罗的弟子中,最出色的是瓦萨里(Vasari,1511—1574)。他虽然也画气势磅礴的画,不过比老师画得稍感柔和。只要看以希腊神话为题材的《丽达》这幅画就可明白。作品画的是神话中诸神之王朱比特变为天鹅,向美女丽达求爱的一个场面。那天鹅的轮廓线画得这样生动优美。
  然而,他的功绩,不限于画画,他还是一个出色的美术史家。搜集了文艺复兴时期画家们的传记和传说,写了一大本书,作为贵重的史料,受到学者们的重视。
  拉斐尔如果把芬奇的艺术比作不可知的海底的深度,米开朗基罗的作品则是高山的峻岭。与此相对照,拉斐尔(RaffaeloSanti,1483—1520)的画,不是可以说象是广阔展开的明朗的原野吗?
  拉斐尔生于意大利中部高原的乌尔比诺城。乌尔比诺的公爵当时也是以艺术的保护者而闻名。拉斐尔的父亲是画纹章的匠人。
  拉斐尔从儿童时代就喜欢画画,到十六岁,到一个叫比鲁其诺(Perugino,1446—1524)的画家那里当了一年学徒,热心地学习画画。比鲁其诺的作品大多数是明朗的牧歌式的情调,因此,拉斐尔也可能受他的影响。若看他初期的作品,就有和比鲁其诺如出一辙的感觉。
  当时,堪称为意大利第一的画家,是列奥纳多·达·芬奇。年轻的拉斐尔听说达·芬奇的作品很出色,非常向往,因此得到比鲁其诺的允许,到佛罗伦萨去研究达·芬奇的艺术或学习马萨乔、米开朗基罗等人的卓越艺术。他的丰富的才能,不用说得到了更大的增长。从此以后,他画了许多出色的作品。
  拉斐尔是个非常漂亮的青年,性格温和,举止优雅,是一个谁都喜欢的人,但可惜只活了三十七岁就死了。在他短促的一生中画了近三百幅画,其中以描绘圣母的画居多。只要说是拉斐尔的圣母就是非常有名的,因为数量很多,因而要加上种种名字,如在庭园里的叫《花园里的圣母》,在座椅中的叫《座椅中的圣母》,在大公爵府中的叫《大公爵的圣母》等等。对《大公爵的圣母》还有这样的传说:达斯卡公爵夫人因没有孩子而忧愁,后祈求这个圣母,不久果然就生了个漂亮的男孩。
  最有名的是《西斯廷圣母》。乘云的圣母抱着年幼的基督稳静地出来,在她的两侧迎从的是年老的教皇和圣女巴尔巴拉。画的下方有两个顽皮的小天使。据说,这两个小孩是拉斐尔有一天在面包房前看到的,两个孩子曲肘作成天真的样子,拉斐尔敏捷地把他们速写下来,后来加在这幅画上。拉斐尔真是敏捷而又机智,而且也有非常诙谐之处。
  拉斐尔二十五岁时,应罗马教皇的邀请,在梵蒂冈宫画了《哲学》、《诗》、《神学》和《法律》等巨大的壁画。全部是四幅,其中《哲学》也称为《雅典学院》画了柏拉图和亚里斯多德等共五十多个大学者,出色地画出了每个人的学风和性格,看来拉斐尔是费了极大心血的。
  拉斐尔渐渐富裕起来。在那个时代,画家已经不是匠人,而是受人尊敬的“艺术家”。因此,来后他集合学者们,开始研究希腊艺术,作罗马市的都市规划,过着幸福富足的生活;但是就在开始画《基督升天》这幅画的时候,中途去世了。据说人们都极其惋惜,他的葬仪非常盛大。就是说,他直到死都是幸福的人。不象芬奇和米开朗基罗那样遭遇困境。他的艺术一直都是纯朴、生动活泼、无所偏倚、圆满和谐的;几乎被认为是完美无缺的。在以后几百年中,他非常受到人们的尊敬,被称为“画家的王子”。而且他的《圣母》受到所有的人欢迎,例如要是说某个女人“象拉斐尔的圣母一样”,那就等于是说那个女人无上的美,直到如今,在英国还是这样。
  佛罗伦萨派的特色拉斐尔死后,佛罗伦萨的艺术,急剧衰落下去。虽然在拉斐尔的弟子中,仍有朱利奥·罗马诺(GiulioRomano)等二三人,但是已经不是象以前那样繁荣的时代了。十六世纪的意大利,已进入文艺复兴的衰退期。
  在转入威尼斯派以前,再大致列举一下佛罗伦萨派的特色。
  首先,可以说是素描正确。佛罗伦萨派的画家们决不对事物的外形敷衍塞责,例如即使画人体,也要用数学和解剖学的知识明确地画出来;即使画背景,也要依据光学原理,运用正确的远近法。
  其次,佛罗伦萨派的画家,大多画男人。当然,象波提切利和拉斐尔也画美的女性,但是整个说,还是以画男人居多。有人这样解释:这是因为佛罗伦萨是行会发达的城市,是注重规律严整精神健全的城市,因此喜欢正确地描绘出男性强而有力精神的画。
  最后,一般认为,在佛罗伦萨派的画中,宗教的感情、神秘的情调比较淡薄。近代的合理的精神取得了胜利,不仅与中世纪的画比较是这样,而且与威尼斯画派比较,也可以说是有显著的特色。
  (二)威尼斯派
  威尼斯派的特色威尼斯派的画和佛罗伦萨派比较,大不一样。当然,也同样不是中世纪的阴郁的贫乏的画。威尼斯派的画家在绘画时重视色彩甚于外形;色彩丰富且富于变化,是威尼斯派的最大特色。他们有时把物象的轮廓不画清楚,画得模模糊糊的。这是为什么呢?由于威尼斯是面临海洋的城市,在那一带水蒸汽总是很多,因而物体的形象大多看起来带点模糊而且柔和;早晨傍晚受太阳的斜光照射,所有物体常常反映出美丽的光辉。
  其次,画女性多于男性,也是威尼斯派的特色。最后是宗教的神秘的感情较多,当然这和中世纪的艺术是不可比拟的。威尼斯的市民大多乘船,说起乘船,往往容易使人有宗教的感情,甚至可以说,容易迷信。这在威尼斯画派的画中也表现出来。
  那么,威尼斯派的绘画,从谁开始,怎么发展的呢?
  威尼斯派的起源因为威尼斯是古老的城市,从十一世纪、十二世纪以后,艺术已经相当繁荣,可以认为已经是一个方面的中心地。因此,画家也有很多,不过象今天所说的具有威尼斯特色的最初画家却是雅科布·贝利尼。(JacopoBellini,1400—1471)他到帕都亚学习过绘画,从一开始色彩就很美,因此可以认为,威尼斯派大概是从这个人开始兴起的。
  油画颜料的使用不过雅科布死后不久,一个叫安东奈洛·达·梅西纳(AntonellodaMcssina,1430—1479)生于西西里的青年画家来到威尼斯,传授油画颜料的使用方法。结果,威尼斯画家们,可以自如地挥笔,可以使用丰富鲜明的色彩了。
  原来,油画也就是用油溶化颜料来画画的方法,从十二世纪以后,在尼德兰盛行起来,不过非常不完善,尚有许多不便之处。而想尽办法,研究出完善的油画颜料的,按一般的说法,据说是后面要介绍的十四世纪尼德兰画家凡·爱克。总而言之,油画是尼德兰的东西,在意大利还不为人所知。意大利人用的颜料是所谓蛋胶画(坦普拉),也即是将颜料溶于蛋黄而作成的,缺点是容易脱落,发粘,不能自如地运笔。
  在梅西纳居住在那波利时,大概看见过到那波利来的尼德兰画家使用的油画颜料,觉得这是极为方便的东西,因此他就去尼德兰学习油画颜料的制法;他在回来的途中,顺便到了威尼斯,把它的制法传授给威尼斯画家。
  但是,他本人似乎并不是了不起的画家。若看他的作品,构图散漫,人物无生气,没有多大意思。但是,靠他带回来的油画颜料,威尼斯派的绘画急速地发挥了特色,从而一变全意大利的画风,因此,应当说他在绘画史上的功绩是不可忽视的。
  乔凡尼·贝利尼堪称为威尼斯派的开山祖师的雅科布·贝利尼有两个儿子。兄弟两人虽然都成为画家,不过弟弟乔凡尼·贝利尼(GiovanniBellini,1427—1516)最有名。他最初和父亲一样,到帕都亚,在那里学画;因为也受教于曼特尼亚,所以他那个时期的作品,素描正确,具有强有力的感情;但是,回到威尼斯以后,有了油画颜料,他马上用油画颜料画出感情柔和、色彩美丽的画。他的数量很多的《圣母》被说成是威严和美相给合的最早作品。
  柯累乔然而,比贝利尼更具有丰富才能的是柯累乔(AntonioCorreggio,1494—1534)。详细的事迹虽不清楚,但他似乎是谦逊而率真的人。他的画非常温和而且很美。可以看看《爱的学校》(一名为《小爱神的教育》),画的是麦鸠利和维纳斯两个人教小爱神步行。维纳斯的丰丽的肉体魅力,小爱神的可爱,确实无与伦比。这些作品,可以说是色彩画家对佛罗伦萨派的造型的挑战书。柯累乔确实擅长于画女性,再看他画的《圣女卡德琳》,也会觉得充满柔和优美的情调,至少在他以前,没有可以和他并肩的画家。
  乔尔乔内和巴尔马·委基奥在乔凡尼·贝利尼的许多弟子中,有许多优秀画家。其中一个是乔尔乔内(Giorgione,1477—1510)。他是农民的儿子,品性善良纯朴,没有受过很多教育,然而自己努力学习。他喜欢吹笛子,因此,他的画里,吹笛子的人物非常多,著名的《田园的合奏》就是这样。此外,他的画,特别是在色彩方面,一般都认为有音乐的和谐,那一定是由于他对音乐有兴趣,很能理解音乐的美的缘故。
  还有一个优秀的画家,是巴尔马·委基奥(PalmaVec-chio,1480—1528)。他用鲜美的色彩画肉体丰满的女人,不过他的女性,都有一种非常现实的感觉,因此,在某种意义上,大概可以说是近代的。如这样说,柯累乔的《圣女卡德琳》也是近代的,因题名为《圣女卡德琳》,可知画的是圣女的肖像;若就以画叫人看,也许会认为是一个年轻的女郎在读什么书。就是说在柯累乔和委基奥的作品中,已经看不到中世纪令人郁闷的精神。他们可以说已经成为真正文艺复兴时期的人,近代人。
  提香(Titian,1482—1576)到提香出现,威尼斯派绘画达到了顶峰。
  提香生于阿尔卑斯高原托卡勒城一个将军家庭,从小就不爱读书,一到上学的时候,就跑到城外,到山野森林里去游逛,或到郊外去摘花,将花揉烂取它的汁液画画,连家庭教师也对他没有办法;因此,在他还是孩子的时候,就被送到威尼斯去学画。
  老师是乔凡尼·贝利尼。最初提香很听从贝利尼的吩咐,画贝利尼风格的画。在贝利尼的弟子中,同时的还有乔尔乔内。如前所述,乔尔乔内善良,技术出色,年纪也较大,所以他也教给提香一些东西。后来,提香一点也不听先生的,只听乔尔乔内的教导。贝利尼很生气,把两个人都开除了。他们没有办法,只好靠画画来维持生活。不过,提香总是更受欢迎,因此乔尔乔内也感到没趣,两人的关系开始疏远。不久,乔尔乔内死去。此后就成为提香一人的天下。
  提香使用华丽的色彩陆续画了许多出色的作品,使人惊叹不止;特别擅长描绘出金色的调子,甚至有“提香的金色”这个词汇。据说,米开朗基罗看见他的色彩,赞誉地说:“如果形象再正确些,就会成为世界第一的画家。”
  他的作品,首先应该举出的是《酒神与阿尼亚德尼》。他用严密的构图,确实很巧妙地捕捉描绘了希腊神话中一个场面。《天上的爱与人间的爱》,究竟画的构思是什么,虽然谁也不太明白,不过大概可以这样认为,穿衣裳的女性表示纯洁的天上的爱,而完全裸体的,坐在井边的举止有点轻浮的表示人间的爱。①①对此画另一种理解是穿衣女代表人间的爱,裸体女象征天上的爱。
  然而提香的画最有名的是《弗罗拉》。所谓《弗罗拉》就是花神。但是这个女神并不是即将开放的春天的花朵的感觉,倒不如说是洋溢着盛开的鲜花的美丽。发育完美的女神的身体,她的金褐色的头发,高高的额头,大大的蓝色的眼睛,半月形的眉毛,丰满的面颊,宽大的双肩,高耸的胸部,健壮的体格,堪称为十五、十六世纪理想美人的典型。和它有类似的情趣的作品是《抹大拉》,把一般认为是圣女的抹大拉画成普通女人,而且是有结实的肉体和丰满的乳房的女人,从这可以看出提香的精神。如前所述,文艺复兴在某种意义上,是要把从来认为神圣的东西拉回到凡间来的时代。在《抹大拉》中可以明显地看出这种意图。说她是神圣的人物,也仅仅是从望着天上表示虔敬的眼光中表示出来。
  德意志皇帝《查理五世》的肖像,也是堂皇壮丽的作品。提香画了这幅肖像以后,很合皇帝的心意,据说以后提香每次画完画后,总要付给他一千克朗巨款。因此,提香开始有很多钱,住在象宫殿一样的家庭里,可以过着豪华的生活。到九十岁时,得鼠疫病死去。
  丁托列托提香确实是威尼斯派最大的画家;不过他之后,还有天才人物。这候,佛罗伦萨派已走上衰微的道路,而威尼斯派还在继续繁荣兴旺。
  提香的弟子中有两个伟大的画家。其中一个是丁托列托(Tintorctto,1518—1594)。丁托列托是“染匠的儿子”的意思,真名叫雅科布·罗布斯其,不过现在谁也不叫他的真名。
  丁托列托从孩子时就喜欢画画,不管是染坊店的壁还是地板上到处都画满了画。父亲以此为骄傲,请求提香收他为弟子;但是他桀骜不驯,一点也不遵循先生的教导,终于被提香赶回来。可是丁托列托对此事一点也不在乎。他以“具有提香的色彩和米开朗基罗的形象”为志愿,以旺盛的精力画了许多出色的、大多是大幅的画。他说如果画幅不大,就画得不完满。《天国》这一类壁画等都是画在威尼斯宫殿的大厅里,和米开朗基罗的《末日审判》一起,可以说是世界上最大的壁画。当然,因为是威尼斯派画家,色彩华美,很有气魄。英国的评论家拉斯金认为“的确比得上米开朗基罗”,极为赞赏他的画。
  丁托列托还有一幅叫做《圣马可的奇迹》的作品,画的是在基督教还未被公认的时代,一个奴隶信徒被异教徒们抓住,在刚要被杀的时侯,威尼斯守护神圣马可出现挽救了奴隶,这一戏剧性故事。《苏珊娜的出浴》也是有名的作品。
  丁托列托性情激烈,留下这样一个故事:有一次,一个弟子把画卖给了商人,但买主觉得价钱太高因此想请丁托列托看一下;到了他的家,丁托列托看了那幅画,没想到他火冒三丈,就打了弟子一耳光。商人大吃一惊,又很高兴,以为这样一定可以用很贱的价买到手。哪知丁托列托说:“傻瓜!你怎么把这样好的画卖得这样贱!”
  委罗奈斯提香的另一个弟子是委罗奈斯(Veronese,1528—1588),他性格活泼,画了许多威尼斯的祭典、宴会等热闹豪华的画。威尼斯有圣马可节、谢肉节等许多节日,全城都要狂欢跳舞。委罗奈斯喜欢画那些愉快欢乐的场面,特别长于以银色调子作画,和提香的金色相对,也有所谓“委罗奈斯的银色”的说法。描绘基督显圣的《迦拿的婚宴》巨幅画,是点缀十六世纪威尼斯画派最后余辉的有名的杰作。
  委罗奈斯还留下《圣女赫勒恩对十字架的幻想》等许多杰作。自从他死后,威尼斯画派逐渐衰微下去。
  (三)波伦亚派和那波利派
  佛罗伦萨派从十六世纪以后,威尼斯派从十七世纪以后,顿然失去繁荣之势,开始衰微下去;与此同时,盛极一时的意大利文艺复兴也随之宣告结束。其原因在哪里呢?
  首先最重要的是政治方面。到了十六、七世纪,意大利开始分裂为米兰公国、威尼斯共和国、佛罗伦萨、罗马教皇领地和那波利王国五个部分,互相争夺;德国皇帝,新兴西班牙王国的势力也相继侵入,国内纷扰杀戮不绝,因此没有艺术繁荣的余地。
  进而,马丁·路德的新教运动,也波及到这个国家,情况更加复杂。正如前面所说,意大利的绘画大部分和罗马教会的信仰与传说有关。当然,它和中世纪艺术的处理方法不一样,但它的主题大多和旧教有关,这是无疑的。
  新教运动兴起,反对罗马教会的气势高涨起来,和以前一样的旧教的画,就不再画了。虽然有希腊神话这种最理想的题材,不过作为宗教方面的画,应该怎么画呢?画家们张惶失措,不知如何是好;因此,在这种情况下,失去了作画的自信心。
  但是,不能忘记另一个经济上的原因。如前所述,十四、五世纪的时候,意大利可以说是欧洲贸易的中心,因此商人的势力强大起来,文艺复兴运动兴起,绘画也兴盛起来。但是,到十六世纪,欧洲的商业贸易中心,离开意大利,转移到西班牙去了。
  十五世纪末期以后,西班牙、葡萄牙新兴王国,不断致力于发现新航路。他们几经失败之后,终于发现了去东方的航路,特别是西班牙发现了美洲大陆,在那里建立了广大的殖民地。新大陆与西班牙开始频繁往来。因此,十六世纪以后,西班牙各种工业兴起,商人、市民的势力也强大起来,意大利也不能不受到它们的影响。因为意大利已经不是东西贸易的交通线,意大利商人们也失去了活力,声望消沉,购买力也下降;与此同时,画家们也似乎突然丧失了元气。
  不过,意大利绘画虽说衰微,也还是留下一些余脉。
  波伦亚派意大利北部大城市波伦亚,兴起了一派艺术运动。其中心人物是鲁多维柯·卡拉齐(LudovicoCaracci,1555—1619)。这个人遍游意大利各地,研究米开朗基罗、提香、丁托列托等大家的作品,回到波伦亚以后,在该地设立美术学校,培养了许多弟子。他的信条是“应该取前代大家的长处,结合它们,创作出更优秀的作品”。也就是模仿主义,或者折衷主义。
  当然,这种作法决不能产生伟大的艺术。卡拉齐的作品大部分是毫无生气虚有其表的东西。值得记忆的是,在他的弟子中出了通俗画大师,那就是基多·雷尼(GuidoRcni,1575—1642)。他受卡拉齐的教育之后,应教皇邀请去罗马,以后画了许多画,不过以《戴荆冠的基督》特别有名。这幅画的复制品,可以说风行各地,确实是色彩优美,画法也柔和洗练,基督的脸也很美,是一幅使人喜欢的作品;但是,也不能不说是一幅缺乏精神深度的画,力量不足,看不出那是想拯救人类的真诚热烈的基督,连望着天上的眼神,也是极其女性化的,没有十五世纪作品中所见到的那种雄伟坚韧的气质。应该说在此处也已经表现出艺术的衰微。
  那波利派与此相反,意大利南部那波利出现了自然主义一派,它的主将是卡拉瓦乔(Caravaggio,1569—1609)。原来此人并不是画家,而是一个石匠,但有绘画才能,曾经在罗马工作。当时,他看见画家们都不过是模仿前代的大师,便毅然下决心作画家。他的主张是“画家不能徒然地模仿,应该直接从自然学习”。因此他有许多作品,都是描绘日常生活的场面。如题为《赌博》的一画,两个男人在玩扑克牌,在其背后,有个家伙躲在暗处,用手指递暗号,意思是骗人的赌博。这是意大利人生活中一个真实场面。
  值得注意的另一点是,使用浓淡法,得到特殊的效果。背景很暗,只把人物和桌子,也就是主要物体画得明亮。这样的画法,后来传到西班牙,得到独特的发展,成为所谓巴罗克绘画的一大特色。
  卡拉瓦乔虽然不是大家,不过确是具有敏锐才能的人。
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